collection Saison 1

Nadia Myre – Étude pour La Chambre Blanche, 2009 (impression numérique 9 x 6,5 pouces)
La genèse de cette pièce est une résidence intitulée « Géographies Variables » menée à La Chambre Blanche, à Québec. J’y avait créé une œuvre web interactive qui laissait voir un paysage parsemé de cicatrices et de nœuds de fil; en passant le curseur sur chacune des cicatrices, une voix racontait l’histoire de cette cicatrice. Chacun de ces témoignages a été compilé dans le Scar Project (2005-14 ??), où je demandais aux participants de recréer une de leurs cicatrices sur une toile et d’écrire son histoire. Ce terrain où se trouvent les blessures évoque le paysage du corps, ses lignes comme des empreintes digitales, ses marques comme des strates d’une carte, la topographie de notre expérience.

Marigold Santos – comment nous nous souvenons est comment nous oublions
« comment nous nous souvenons est comment nous oublions » est une œuvre récente de Marigold Santos qui évoque le tissage, la fragmentation, l’attachement et l’apesanteur. Contenus dans une petite fenêtre ou un prisme, ces rubans flottants font écho à la nécessité de former un souvenir, tout en reconnaissant en même temps que de former implique parfois de défaire. Interrogeant des notions telles que la multiplicité, la migration, le folklore et le surnaturel, « comment nous nous souvenons est comment nous oublions » poursuit une exploration en cours dans le travail de l’artiste.

Juan Ortiz-Apuy – Un conte qui dure toute la nuit
Apparaissant comme des totems de notre culture de consommation, ma récente série d’œuvres de collage ont été faites en utilisant principalement des catalogues IKEA et des magazines de décoration afin d’explorer nos pratiques de l’image contemporains impliquant la publicité, le design et fétichisme de la marchandise. Dans ces structures plutôt surréalistes, les objets semblent non seulement se métamorphoser en sujets (ou vice versa), mais aussi se comporter comme des êtres animés avec leur propre conscience. Par conséquence, l’idée de « design total » est la clé de lecture de ce corpus de travail; comme si, de nos jours, tout était médié par le design, des jeans aux vacances, des maisons à nos propres corps.

Caroline Monnet – appareils (matériaux: bois, cuivre, ciment, dimensions 7 x 3 x 3 pouce / édition limitée de 30)

Trente pierres individuelles forment la plus grande pièce de l’appareil faisant écho au corps social, aux institutions, au paysage et à l’environnement dans lequel nous vivons. Chaque bloc agit comme une pièce du puzzle, rappelant l’interdépendance qui est au coeur nos sociétés. Le bois et le cuivre sont des matériaux qui auraient pu être trouvés avant que nos villes aient été construites, tandis que le ciment industriel évoque la géométrie et la mise en espace qui nous définissent physiquement alors que nous marchons dans ces mêmes villes.

Caroline Boileau – Libellule (Je suis déjà ailleurs) (Aquarelle sur papier, 5 x 7 pouces, 2015.)

La libellule est mon insecte totem. Je la dessine et la redessine sans cesse, souvent en y ajoutant des membres humains, qui sont généralement féminins. À la fois délicat et cruel, doux et féroce, une fée ailée mais aussi une créature aquatique larvaire, ce petit monstre délicat accumule les contradictions et les métamorphoses … En réalité, c’est exactement ce que je souhaite pour moi-même.

J’ai répondu à l’invitation carte blanche de Rhonda par de petites aquarelles de libellules anthropomorphes, à la fois identiques et différentes, chacune transformée par mes humeurs passagères, mes sensations et mes désirs. Des petites fées voyageuses dessinées au nord de la Norvège, à l’intérieur du cercle polaire arctique, alors que j’étais éclairée par le soleil de minuit.

Du bout du monde, vous recevez une fée voyageuse, qui semble tout à fait impertinente. Elle a la tête forte, n’écoute personne, et va où elle veut. Ce soir, vous voudrez peut-être les mettre côte à côte et observer leurs variations!

Rachel Echenberg – Untitled
Depuis quelques mois, je m’attarde à briser des objets en verre et pour essayer ensuite de kes remettre ensemble. Malgré mon désir de contrôler la façon dont les objets se cassent, je dois accepter la transformation instantanée et la lenteur du processus de réparation. Les sculptures et les images qui en résultent ne sont pas le reflet d’un éclatement spectaculaire, mais du soin et de la patience qui viennent du processus de raccommodage. Dans de nombreux cas, je fusionne plusieurs verres de sorte qu’ils semblent aller à la rencontre l’un de l’autre, à la recherche de soutien, d’une intégralité. Dans un monde dans lequel nous célébrons la nouveauté, je tente de décrire une expérience vécue fragile.
Pour la suite de ce projet, je demanderai aux gens de me confier quelques-uns de leurs propres objets en verre pour les briser et les réparer en différentes configurations avant de leur redonner. De demander à un étranger de modifier ces objets personnels implique les thèmes du hasard, de la confiance et de la vulnérabilité qui sont déjà présents dans les sculptures et les images du travail. S’il vous plaît me contacter au rachelechenberg.net si vous êtes intéressé à y participer.

Rachel Echenberg, octobre 2015

Commissaire de la collection Saison 1 : Rhonda Meier

Pour plus d’une décennie, Rhonda Meier a été une commissaire indépendante, écrivain, éditeur et éducateur.

Meier titulaire d’une maîtrise de l’Université Concordia en histoire de l’art. Depuis le commissariat de sa première exposition à l’Université de Lethbridge Art Gallery en 1990, elle a monté de nombreuses expositions, principalement dans les centres d’artistes autogérés. En 2002, elle a organisé la première grande exposition solo suite [r] l ‘acte Nadia Myre: nouvelle œuvre de Nadia Myre Oboro Galerie. Son projet de co-commissariat le plus récent, The Rebel Yells: Robe et politique Re-robe dans l’art contemporain autochtone a été présentée à la Galerie FOFA de l’Université Concordia en mai 2015.

Un ancien éducateur au Musée d’art contemporain, elle a beaucoup travaillé avec les centres d’artistes autogérés, y compris les articule, où elle est actuellement président du conseil d’administration. En outre, elle est un administrateur au conseil d’VIVA! Festival d’art de la performance de l’action. Meier a publié dans Canadian Art, C Magazine, et en changeant de mains pour le Musée d’Art et Design de New York.

Énoncé de commissariat

Je m’intéresse à l’art qui ne se révèle pas entièrement.

Je suis intriguée par les œuvres qui gardent certains de leurs secrets ou qui sont légèrement différentes à chaque fois qu’on les regarde. Je crois qu’il est possible de découvrir quelque chose de nouveau à chaque fois que l’on admire le travail d’un artiste. Je crois que c’est possible, car de tels travaux questionnent, provoquent et bousculent nos idées reçues – comme un rappel qu’il existe une autre perspective, une autre existence, une autre réalité qui pénètre notre propre espace physique et mental.
Pour la première édition de Partage, je me suis particulièrement intéressée aux artistes qui explorent des idées et des manières de faire par l’assemblage et le rassemblement. Au cœur de ces actions se trouvent les notions de répétition, de récurrence et d’émergence qui font écho au projet de Partage lui-même. Cela reflète aussi mon intérêt pour des œuvres qui se dévoilent dans la durée.

les artistes de la Saison 1

Juan Ortiz-Apuy

Juan Ortiz-Apuy est né au Costa Rica en 1980 et vit et travaille à Montréal depuis 2003. Son travail a été exposé au Canada et à l’étranger. Ses expositions récentes incluent, parmis d’autres: The MacLaren Arts Centre, SPORBOLE, et Québec Biennale: Manif d’Art 7. En 2011, il était le destinataire de la Halifax Regional Municipality Contemporary Visual Art Award

Nadia Myre

Recipiente du prix Sobey, Nadia Myre est artiste visuelle du Québec et membre Algonquin de la Première Nation Kitigan Zibi Anishinabeg. Depuis plus d’une décennie, sa pratique multidisciplinaire a été inspirée par l’engagement des participants ainsi que les thèmes récurrents de l’identité, de la langue, du désir et de la perte. Son travail a reçu des éloges de la part de plusieurs médias tels que New York Times, Le Monde, The Washington Post et Le Devoir, et a été présenté dans ARTnews, American Craft Magazine, ETC, Parachute, Canadian Art, C Magazine, Monopol et ESSE.

Marigold Santos

Dans ma pratique, j’explore les manières par lesquelles le soi devient multiple, fragmenté, disloqué puis réinventé et re-créé. Je m’intéresse entre autres à la notion de la maison. Par mes images, je cherche à croiser les récits du passé et du présent; en les racontant de nouveau et en les reconfigurant, ces récits se transforment pour devenir des mythes personnels nourris de fantastique et de surnaturel. Voici le terrain de jeu dans lequel se situe mon travail.

Caroline Boileau

Caroline Boileau poursuit une réflexion sur le corps et la santé à travers une pratique qui conjugue l’action performative, le dessin, la vidéo et l’installation. Elle s’intéresse aux différentes façons d’habiter, de représenter et de parler du corps.

Rachel Echenberg

Rachel Echenberg (Montréal, Québec) est une artiste visuelle qui travaille principalement en performance et en vidéo. Echenberg s’intéresse aux possibilités inhérentes à l’empathie active, ce qui l’a conduit à créer des œuvres qui soulignent des relations vulnérables, intimes et incontrôlables.

Caroline Monnet

Caroline Monnet est une artiste multidisciplinaire autodidacte. Elle travaille autant en cinéma qu’en vidéo, en peinture, en installation et en sculpture pour communiquer des idées complexes entourant les notions d’identité autochtone et de réalité biculturelle.